天鵝絨金礦

這是一部很酷的電影，視覺和聲覺上的華麗給了你一種前所未有的享受，首先撇開它的內涵，這種形式大于一切的風格倒是正契合了主人公Brian Slade那絢爛輝煌而又頹廢的一生。

影片的名字叫做《Velvet Goldmine》（天鵝絨金礦），這是70年代紅極一時的華麗搖滾（Glitter Rock）的代表人物David Bowie的一首同名歌曲，從這里就可以看到兩者之間的關系，Brian Slade其實就是David Bowie的一個影射。

何謂華麗搖滾？性別模糊的裝扮，華麗戲劇化的臺風和頹廢慵懶的音樂風格，這些都是華麗搖滾的要素，就如Brian Slade在片中面對記者問其為何化妝時所說的：“因為搖滾是一個妓女，要涂脂抹粉上臺表演，音樂是面具，而我云裳羽衣。”

影片的開頭奧斯卡?王爾德，這位為藝術而藝術的唯美主義者的誕生。1854年的都柏林，飛碟飛過天空，隨之王爾德出現在他們家門口，在他的身上，別著一顆十分醒目的祖母綠寶石。

飛碟的出現倒是很有意味，是暗示著影片的虛幻，主題的虛幻，或者暗示了其不平凡的一生？我覺得兩者都有吧，這本來就不是一部現實主義的片子，連賈樟柯的《三峽好人》里都有出現飛碟和大廈升空的超現實符號，我想飛碟更多的是一種象征意味吧。
另外，在他身上的那顆祖母綠，則是貫穿了整部片子的一個重要的道具，它起到了把影片中各個人物聯系起來的作用。祖母綠伴隨著王爾德誕生，在這里，它的意義已經不僅僅是一塊普通的寶石了，所指被擴大，它代表的是一種思想，王爾德的思想。本來，對于整部片子來說，王爾德這塊似乎太過遙遠了，與主題沒什么關系，但是通過這塊祖母綠的傳承，或者說思想的傳承，我們從中看到了華麗搖滾中那根深蒂固的唯美主義情。可以說，王爾德這個同性戀的唯美藝術家對百年后這種音樂風格的形成有著很大影響。

這塊石頭，在100年后，被一個小孩意外撿到，雙唇涂上鮮血的他，對著鏡中有點妖艷的自己，露出了詭異的笑容。他就是Jack Fairy。對于這個角色，我感覺是片中處理得最虛幻的一個，甚至有點符號的感覺，就像他的名字。Fairy本來就有妖精的意思，導演似乎很有意圖地給他起了這個名字，他的每次出場都被美化的如同精靈一樣，他的打扮比主人公Brian更加妖艷，他對Brian產生了很大的影響，他是這種風潮的始作俑者，而最后的終結也由他來宣告，他已經被神話了。

關于Brian Slade的整個故事是由許多支離破碎的記憶拼湊起來的，起因是源于一名報社的記者被授命調查關于十年前由Brian自導自演的一起謀殺案的前因后果，于是他去采訪了幾個與其有關的幾個人。通過他們各自的零碎的陳述，Brian完整的一生被拼湊了出來。當然其中也有一些記者本身的回憶，因為他當年也是Brian的狂熱歌迷，也曾沉醉于這種奢靡浮華而又頹廢的風格，甚至在Brian接受電視采訪，說出那些驚世駭俗的言論時，他發瘋似的指著電視機狂叫“It’s me! It’s me!”。那時，年輕的他對Brian產生了極度的認同感，70年代是個憤怒的年代，年輕人們反對傳統，顛覆傳統，伴隨著性解放的思潮，朋克搖滾，華麗搖滾等等風格都應運而生，他們瘋狂地追捧這些或憤怒，或華麗，或頹廢，總之是與傳統背道而馳的風格，記者也在其中。十年后的他早已沒有往日激情，然而這次采訪卻讓他重新拾起那段對他而言如同一場夢幻的記憶。影片的視覺風格也很虛幻，仿佛我們跟隨著記者做了一個夢，一個關于70年代那段瘋狂歷史的夢。

對Brian產生最大影響的人是Curt Wild，一個來自與美國的搖滾歌手。剛出道時，穿著裙子的Brian在臺上賣力表演，遭到的卻是臺下的噓聲一片，遭到不理解之后Brian十分苦惱。而在這時候，Curt出現了，一如他名字中的“Wild”一樣，他渾身上下散發著狂野的氣息，當眾裸露，面對觀眾的噓聲回報以更瘋狂的挑釁。這種野性和瘋狂正是Brian所最缺乏的，出于一種對于缺失的追求的本能，Brian深深地迷上了Curt。以至于在其成名后，被問到去美國最想見的人時，不假思索地就說到是Curt Wild。這是后話了。

他的成名與遇到那個經紀人是分不開的，在其包裝下，Brian迅速竄紅，并且成為了時尚的代名詞。他的風格，生活方式，他的雙性戀傾向，都在年輕人當中成為流行，“Gay”不再被人鄙視，甚至成為了時髦的象征，年輕的記者當時自然也沉迷其中。
在這當中，不得不提一下Jack Fairy。在Brian成名，在記者會之前，有插入了一段Jack Fairy到一家酒吧表演的段落，可以說正是Jack Fairy對其風格產生了巨大的影響，也使Brian堅定了走這種妖艷路線的決心。Jack正是華麗搖滾的始祖，他繼承了那塊祖母綠寶石，而在這一段中，Brian借由親吻Jack的機會將綠寶石帶走，這一幕被表現的極有神圣意味。至此，這種精神真正被Brian繼承了，通過Jack之手。

Brian的事業真正到達頂點是在其去紐約，見到了Curt以后，那時他已如日中天，而Curt卻仍然在底層徘徊。他仍然像以前那樣迷戀于Curt的野性，而Curt似乎對于其妖艷的風格也有所傾心。事實上，Curt早在13歲時就被發現有同性戀傾向而被母親送去接受電擊治療，致使他后來聽到電吉他就狂性大發，才造就了其舞臺上狂野的風格；而對于Brian來說，其童年的陰影也對于其現在的性格產生過深遠的影響。兩個童年都有過缺失的人在一起，自然會有很強的認同感，他們被互相吸引了。

Brian帶Curt到了倫敦。那段時間是兩人生命中最為閃亮和快樂的黃金年華，他們的感情也日漸深厚，Brian與妻子的距離也越來越遠。與此同時，華麗搖滾也到了最巔峰的時期，Brian甚至還揚言“我們要改變整個世界。我們將是未來的主宰。”，他感到了前所未有的幸福和滿足，他身邊的人也都沉浸在這種變態的狀態中，奢靡，淫亂。
然而好景不長，Curt的暴躁使得兩人之間出現了裂痕，并且越來越大。雖然兩種完全不同的極端性格能夠互補，但是其本質上的完全相背還是沒有辦法消解。最后，在一場爭吵之后，Curt離他而去，而Brian則迎來了他生命中最消沉的一段日子，他陷入了徹底的低谷，他的生活徹底毀了，最后，面對妻子的離去，他露出了變態的笑容。

盡管意志消沉，狀態低迷，他卻仍然要出席各種商業演出，隨著這種風格越來越主流，早先的改革目的也蕩然無存，Brian陷入了絕望，完全迷失了自我。終于，在一次盛大的演出中，他自導自演了一場槍擊事件，從此銷聲匿跡，一個時代結束了。
十年過去了。

記者通過各方面的調查，最后驚訝地發現，當今的流行偶像Tommy Stone竟然就是當年的Brian。而如今的他，早已沒有了當年妄圖改變整個世界的銳氣，成為了世俗的標簽，剛剛結束了總統的宣傳演出。

在Tommy的一場演唱會后，記者來到酒吧，卻意外見到了仍然消沉的Curt，原來他也早已知道Tommy的身份。兩人望著墻上Tommy的海報，不由得感傷起那段狂亂的歲月。Curt苦笑著說：“我們說要改變世界，最終只改變了我們自己。”

這時，我們又看到了那塊祖母綠寶石，Curt道出了原委，原來是在兩人還在一起的時候，Brian將寶石贈予了他。這個贈予的場景又一次被神話處理了，這是一種精神的交接。它象征著Brian扔掉了這種精神，這種態度，也許Brian早就料到自己無法堅持下去吧，于是他把這種使命交給了Curt。

Curt確實沒有流入世俗，他一直消沉著，最后，他把那顆寶石扔在酒杯里，送給了那個記者，屬于它的時代早已結束，還需要它干什么？

影片的最后，Jack Fairy的演唱會上，一面大旗降下來，上面赫然寫著“Death of Glitter”（華麗搖滾之死），由他來宣告華麗搖滾的終結是最合適的了，他始終身在其中，卻又游離于外，就像神一樣。

在他優美的歌聲中，我們再一次看到了Brian的臉，屏幕變黑，一個華麗，奢靡，頹廢的時代終結了，我們能做的，只有在無盡的傷感中緬懷。

眼睛和耳朵都幾乎在第一刻傾倒。華麗搖滾的大幕徐徐拉開，只一眼就足以顛倒眾生的風華。

改變世界我們呼喊的聲嘶力竭。但也可以只是驚世駭俗的一吻。自由如果不是從政治開始就是從性開始。對六零七零年代總是深深的好奇我想我并不是偏激的人骨子里卻也有對華麗頹靡的偏愛。“人人都是雙性戀”和“要做愛不要作戰”相比誰更酷一點？艷俗眼妝華麗羽毛和波希米亞相比誰更自由叛逆？我們總是先做出姿態。然后再觸及靈魂。
 
嘿。然而多少人在一場自我構筑起的理想主義之途中迷了路？是我們改變世界還是世界改變我們或者最后都不為人知透過被改變了的眼睛。就像是年少時一場荒誕離奇的夢。

而在那場暗夜的夢里。有一個男孩美得不可方物。帶著孩子性的神氣，自私和驕傲都毫不掩飾，銳利又任性的自以為是，卻總是會得到原諒，就為了那份純粹。

Curt說，Brain總會得到他想要的。可是他想要的是什么？閃回的片段里天臺上赤身的笑容有恍惚的美，是幻想還是記憶？快樂王子的綠寶石，總有人試圖延續那場旅途，如果我們錯過的話，也總有人會走下去是不是？

十年。時間讓青春成了傳說。傷口結成了疤。行事怪異的少年成了高高在上的偶像。堂而皇之的發出主流聲音。我們是在對自我否定中獲得的成長。過去的愛和掙扎仿佛成了事不關己的歷史。無所謂記憶。也不需要唏噓。

嘿。那場革命又怎么辦。被喚醒過的心再如何關上。還是從他人眼里去緬懷那走過的路？

緬懷Mandy見到Brain的第一眼。前衛和放肆在愛情面前也統統成為淪陷的無措。
緬懷Brain見到Curt的第一眼。絕望和暴烈的氣息從這個男人的骨子里散發出來。他怔怔地站在那里心里只有我想要成為他的念頭。
我記得已是巨星的Brain如何把手伸向潦倒的Curt時欣然又無措的神情就好像是初見偶像的孩子管我頭上的光環你身上的頹唐我只知道你便是我的神。
我記得Curt對Brain說出“You can be my main man”的認真神情，他對面的男孩挑眉微笑的神情有些邪氣目光卻灼灼明亮，不管經紀人的臉色他只說我要和你一起做音樂。
我記得“satellite of love”中Curt和Brain目光的糾纏追逐，對著窺探的記者Curt肆無忌憚地豎起中指而Brain笑得張揚諷刺卻難掩幸福，他們用神情在說我們要改變的世界，你們只是看客。
我記得Brain站在舞臺的中央用他孩子氣的理想主義銳利回擊世界，當他發現好奇關注的目光來自看他出丑的渴望，當他說出“我們要接管這世界”后周圍環繞著嘲笑的臉，當他有那么一瞬間低下了頭露出迷茫無助的神情，Curt站到了他的身邊為他支起了勇氣，旁若無人的吻絕美驚艷，你們盡管去笑就好，因為世界是我們的，不是你們的。
記得Curt狂野的吉他和Brain近乎情色地在他身下舔著他的琴弦，混亂迷幻又滿是靡爛的交歡場面下Curt輕輕的走開，深深的望了Brain一眼，他便在所有人的注視下走進了那間房間，然而當陽光給兩個赤裸安靜擁抱的男孩籠罩上一層淡淡金光的時候，成了整部影片最純美的畫面，饒是Mandy再怎樣的自欺欺人，也明白了她和Brain的正式結束。
我也記得錄音棚外Brain是怎樣挑著字眼隱忍著不愿傷害Curt的自尊，記得Curt對Brain竟然都無法理解自己而暴跳如雷地砸爛器材，記得Brain站在窗口對著Curt的背影絕望唾罵而掠過Mandy的眼卻已有了欲泣的痕跡，記得Brain走時狠狠熄滅煙頭的無奈，記得只能隔著窗簾看著他的Brain的落寞，記得Curt走在紐約街頭看見類似Brain的藍發時眼底閃過的光芒和隨后深深的絕望，記得Brain看著獨自在舞臺上絕望吟唱的Curt卻壓低了帽沿轉身離開，記得Curt詢問Mandy是否看到Brain到來時壓抑著的期待。
然后絕望。絕望。絕望。漫無邊際。我們在華麗的舞臺上忘記了回頭的路。我們在改變世界的期待中失去了戰友。我們天生反叛不羈如何被牽絆。于是離開。世界崩塌。此后其生。再不相憶。

Curt的不羈是誠懇的。他用自己的方式在生活，舞臺上的放浪出自本心，愛恨亦出自本心。所以他不會忘記Brain，亦試圖將精神延續。
Brain是懦弱的。他被Curt所吸引向往著他和他的生活然而在夢幻破滅后他只有否定的勇氣。死亡的鬧劇是宣告曾經的他真正的離去。
然后的故事怎樣。那個時代都已經落幕。華麗的妖嬈的迷幻的蠱惑的驚艷的頹靡的揮霍的，被追捧被唾棄，熱烈的希望和絕望，似乎不留痕跡，卻總是以不同的方式延續著，直至今日。

 

The Venus In Furs和The Wylde Tatttz是為該片而組的兩只小強樂隊。

先看看成員是如何地夢幻吧：

The Venus In Furs（名字恨明顯是來自于The Velvet Under Ground的《Venus in fur》這首著名的歌曲）
成員：
Paul Kimble （from Grant Lee Buffalo）
Thom Yorke （from radiohead）
Jon Greenwood （from radiohead）
Bernard Butler （from suede）
Andy Mackay （from Roxy Music）

注解：
Grant Lee Buffalo： 成軍于90年代初的美國洛杉磯另類民謠樂隊。一度被拿來與R.E.M相比。
Radiohead：這個沒什么好說的了吧？鄭鈞都翻唱過他們的歌曲。英國90年代初New wave of the new wave時期著名樂隊。 Radiohead的歌在我聽來都很凄苦，酸得很，所以不是很迷。但是在the venus in furs里給我的這種感覺好像沒有了。終于體會到 Thom的嗓子原來這么好。
Suede：也沒啥好說的。人家才來過北京開live。不過來的那會兒Bernard早已經不在隊里了。最愛他在的時候的Suede。曾經的大本命呀…… 話說Bernard的吉他也太有特色了吧？我沒看到成員名單時聽了兩遍OST就覺得吉他的風格像他，結果一查果然是。幾年的歌沒白聽。
Roxy Music：這個是真正的老牌了，70年代的Glam樂隊，被評為對英國音樂的影響力僅次于披頭士。Andy此時恐怕也是大叔一只了？還來和一幫小子湊熱鬧，呵呵。

Wylde Ratttz（嗯……Wylde應該和王爾德有關……而80年代美國很受歡迎的一只金屬樂隊就叫Ratt）
成員：
Mark Arm （from Mudhoney）
Ron Asheton （from The Stooges）
Jim Dunbar （from fIREHOSE）
Don Fleming （Alice Cooper Producer）
Thurston Moore （from Sonic Youth）
Steve Shelley （from Sonic Youth）
Mike Watt （from fIREHOSE）

注解：
Mudhoney：西雅圖老牌Grunge樂隊，比Nirvana還要早。
The Stooges：70年代的Punk樂隊，車庫音樂的始祖。主唱和吉他是Iggy Pop，后來私奔去了英國和David Bowie這只超級大怪物合作。電影故事很大一部分情節就是參考了他倆的“事跡”……-_-|||。不過人家現在挺老實的，電影編就編了，一句話不說。不象DB……
fIREHOSE：80年代美國非主流樂隊……對美國樂隊研究不深，只能說這么多了……
Alice Cooper：妖魔啊~~~70年代洛杉磯金屬樂隊的主唱。好像網上經常能看到他恐怖的化妝照。
Sonic Youth：后Punk時期著名的紐約吉他噪音樂隊，其名氣即便是我這個不怎么聽美國搖滾的人都如雷灌耳。不過，真的沒怎么聽過他們的音樂……

兩只樂隊的成員可謂精英組合，而且涇渭分明，分別代表了英、美搖滾樂的典型風格。一隊專門演繹Slade的歌曲，另一隊則全力打造Curt的音樂（盡管Curt的音樂只收錄了T.V eye這一首，但光這一首就很過癮）。這種前無古人后無來者天下無雙的配合光是想想都叫人激動，簡直是向七、八十年代搖滾樂致敬的作品！一下子能拉來這么多樂隊做支持，可見導演的號召力以及電影內容的超強代表性。更何況執行監制還有個R.E.M.的 Michael Stipe。

其他還有很多樂隊，可講的東西實在太多了。以后一一介紹。

 
首先說一下，背景音樂我已改為手動播放，以免打擾到不愛聽的朋友。

除去Venus in Furs與Wylde Ratttz的，剩下還有幾首歌：

《We Are The Boys 》by Pulp
《Needle in the Camel's Eye》by Brian Eno
《Satellite of Love》by Lou Reed
《Make Me Smile (Come Up and See Me) 》by Steve Harley
《Diamond Meadows》by T-Rex

注解：
Pulp：與Suede、Radiohead差不多同時代的典型英式樂隊，曲風比較神經質，具無產階級精神（笑）。
Brain Eno：環境音樂大師！原是Roxy Music的成員，后來因為和主音理念不合而單飛。一次偶然造就了“環境音樂”這種新音樂形式。與David Bowie合作過。后來很長時間都在擔任U2的制作人。如果我沒有記錯的話，Win98的開機音樂著作人一欄就填著他的名字。總之是很強的叔叔……
Lou Reed：這位……美國樂隊the velvet underground的主唱。關于the velvet underground是什么樣的樂隊一言兩語可說不清，有興趣的話大家可以自己找找資料。David Bowie也曾深受他們的影響。解散以后Lou Reed一直堅持著個人發展。90年代著名的《猜火車》電影里也收錄了他的歌。Lou Reed這位爺爺級的人物在70年代也與DB叔交往頻密。可以說電影里的Curt的發展經歷雖然大部分參照了Iggy Pop，但其實是Iggy Pop與Lou Reed兩個人結合起來的化身。
Steve Harley：70年的民謠搖滾樂隊Cockney Rebel樂隊的主唱。另一個身份是BBC的兼職主持。除了這首和《Tumbling down》，他的《Sebastian》其實也在電影里出現了，就是Slade穿者和DB曾穿過的一件長裙差不多的衣服，抱著木吉他唱的那首歌。
T-Rex：被譽為華麗搖滾的開山鼻祖……仔細聽聽音樂里真是很有60年代的遺風。

還有兩個不太好歸類的：

《Personality Crisis》by Teenage Fanclub 。
這是Elastica的Donna Mattews為首組成的臨時樂隊演繹的New York Dolls的名曲。

《20th Century Boy》by Flaming Creatures。
這是Placebo的Brian Molko和Steve Hewitt以及Spacehog的Anthony Langdon臨時組成的樂隊。原曲是T-Rex名曲。這首歌倒是要好好說一下。這首歌被翻唱很多遍，包括日本的樂隊。如果看過浦澤直樹的《20世紀少年》，就會發現靈感就是來自于這首歌。而David Bowie也曾在Placebo的演唱會上和Brain Molko合唱過這首歌。

最后剩一個：

《Bitter's End》by Paul Kimble & Andy Mackay
這個是屬于內部再組合的……這兩個大叔還真有興致呀……

  王爾德的悲劇終究來說源于某次的一見鐘情，誰能料到那樣一個文學天才也會有妄圖框圍的靈魂，Douglas那攪亂萬千紅塵的一眸，飛掠如箭，刺傷了王爾德那片湛藍到脆弱的天空。以至在他長久的動蕩的生命里都不得不為了這份在當時看來多么荒誕的愛，耗盡心力、紅塵虛度。有監獄也有批判。“愛”用于男女間是有理由尋求寬恕的，畢竟有太多多愁善感又不甘寂寞的軟弱靈魂，會有興趣去剖析三千世界的糾葛孽情；而對于同性，那唯一可走的隱秘生路也搖搖欲墜地飽受時光的消磨。又或者這本來就是場自作自受，已到不惑之年的王爾德，一面宣言愛情的偽善、一面又自甘墮落。那只唯美的細腰蜂明知道要把蜂針留在他人的體內必要抽干心房里僅存的氣力，依然無法抵擋那甜美似罌粟的誘惑。所有卑微與放蕩的挑逗，都如寓言中的蛇，把他纏進生生不息的回憶與自責。也許如果非要追尋完美妖媚之物的身影，那就只能等待靈魂的滅亡。
  而場感情悲劇百年前的感情悲劇、并沒有因為它的既定性，而迅速溶解在流光里，而是像那朵妖嬈的水仙花在一片純真的水域里等待溺水的人。
  如果只是單純的愛著那所謂代表另類與標新立異的音樂，或者是傳統美學的衛道者、那么請遠離這妖孽橫行的片子，不然會因靈魂受到撩撥而無限痛苦。
  片子的開頭帶著無可挑剔的浪漫色彩，充滿象征意義的綠寶石胸針，和一名棄嬰一起來到了人間，就像是普羅米修斯在飛躍天空時落下的火種，注定有炫目、離奇的色彩。Arthur Stuart是某報社的記者，他現在的任務就是去還原Brian Slade的離奇自殺事件，昔日最璀璨的巨星Brian Slade謎一樣的消失了。很不幸的，Brian 也是Arthur整個青春的縮影，那張全裸的CD封面、那種慘絕人寰的妖艷，是插在Arthur心中一朵劇毒的罌粟花、日復一日，以為枯槁毀滅的東西是飲血的怪獸、蔓延在所有的脈搏卻依舊孤獨得悲凄。Arthur以一種虔誠而執念姿態去收集Brian輝煌綻放時散落的零星碎片，緬懷青春安慰已經淪喪的靈魂，直到找到Brian Slade的前妻Mandy Slade，才一點點拼湊出那段為夢想燃燒生命的日子。雖然Mandy Slade已經沒有任何光鮮的痕跡，失意、倦容、頹唐，但是他心中的Brian還是從外星球來的光怪陸離的精靈。
  Brian Slade與Mandy Slade相遇在1969年的新年，他梳著短短卷發、靦腆而羞澀，他被她吸引，他喜歡那種隨心所欲的風格。“你會跳搖擺舞嗎？”Brian Slade問，Mandy含笑點頭。于是之他們結婚。
與此同時，在商人狄謝利的支持下Brian開始漸漸靠近自己想要的音樂，Brian此時還找不到自己的風格，他的第一次表演以恥笑告終。
  Curt Wild作為朋克的先驅，有著無窮無盡的破壞力，《TV Eye》的節奏如同子彈、剎那間擊中心房、滲出的血絲藕斷絲連，他一邊大吼一邊脫個精光；對，不搖則滾。這是個徹頭徹尾的搖滾癡人，他有自由而狂野的音樂靈魂、他傾其所有地享受著每次演出那堪比高潮的滅頂歡愉。Brian還殘留著不合適宜的妝容，就那么站在臺下、用一種饑渴又恍然大悟的癡迷仰望那接近淫靡的演出。那時Brian還只是一個前進思想的音樂愛好者，顯然Curt Wild的驚世駭俗的表演成了催化劑、燎了離火、放了困獸。這時候沒人會預想到天雷勾動地火只需有擦身而過的瞬間就足以燎原。面對視覺與精神上的沖擊，除了坦然地放縱身體里那些華麗偏激的因子、其余的都是愚蠢。輕薄的紅唇、淫靡的鞋跟，雌雄莫辯的性別分化、搖擺的節奏。什么都能抵擋、除了誘惑。Brian Slade一夜之間就成了種風格。glitter rock，用靈魂交換青春。Brian對Curt Wild始終毒癮難戒，那場突如其來的暴風雨席卷了他所有的感官、帶走了他關于愛的寄托。縱使早已結婚、享受過種種體溫，沒有那幅對癥的解藥就依舊空虛難耐。當功成名就的Brian找到沉迷于毒品的Curt Wild時、他眼中出了蓄謀已久的熱情還能有其他。Curt Wild只需要一個眼神、就能抹殺Brian周遭的全部，讓他旁若無人地來到他的身邊，開啟那扇門，把血與骨嵌進彼此靈魂。勢均力敵、惺惺相惜，對愛最原始、動物性的追求完全地體現在他們的音樂里，他們已經完全沉迷于那場華麗的扮演游戲，站在星光之巔的男人熱情激吻，一切都宛如天堂。這種妖冶具有摧毀性，有種要改變世界的激進。不過這世上終究沒有童話里的美滿，畢竟統一與征服同樣不適于奔放堅韌的靈魂。Curt Wild的離開給Brian殘忍的傷害，他唱著懷戀的歌、不小心就淚流滿面。或許從本質上，Bowie是個靦腆，易害羞的。他那些瘋狂的音樂靈感有一部分來源于對Curt風格的迷戀與膜拜，那種真正狂野隨心所欲的個性，他永遠做不到。他被Curt吸引，是像看著另一個世界的人，他試圖接觸，只要接近就好。后來，他接近了，只是瘋狂不是他自身能創造出的，所以失去Curt后Bowie已無法融入那個原有的音樂角色，只好讓他死掉、死在最美的瞬間，就如Dorian。glitter rock死了。剩下的是世俗與平庸。
  從某種中庸和諧論來講這是部該被拖出去槍斃的片子，無法無天的歇斯底里、簡直就是對傳統與規矩的強暴。這并不是能夠讓全家老少一起其樂融融觀看的片子，他應該屬于曾今妄圖改變世界，一覺醒來就被世界碾面兒磨平的悲壯青年；但也別是抑抑郁郁、別別扭扭、委委屈屈、滿腹心酸無處尋歡的混沌人群；（當然，LOLI勿近）他只能被緬懷不能被向往。華麗搖滾的30年，那個帶著耽美色彩的年代，積塵的常理之道蒼老落敗得好笑。
  本人并不是搖滾文化的追隨著、也非事實論著。雖然也會被那些嘴唇的曲線所迷惑，說到底也就是二流的旁觀者。因此，不會認真地去研討David Bowie與Iggy Pop的種種，那些屬于當事人的糾糾葛葛，只能去故事不可再現。也別去深究那些眼影、指甲油與松糕鞋，要用現在的科技成果去衡量一個時代的意義那就是該死。而也因那份不完美的粗超才再現了那個紙醉金迷的時代。
  Todd Haynes 顯然充滿智慧，他將整段故事編排的相當理智、不管是哪一方的看客都能找到比較心儀的結局，斷在最美的時候也許也是種風度，至少誰也不喜歡看到紅顏消損。當然也Cult了，但故事講得清晰可人，應該鮮少有人看不懂吧！至于音樂，去評價一部音樂傳記片的音樂其實很傻、去討論有眾多專業人士摻和的配樂更傻。
  在新舊交替之際，總會有那么些離經叛道來為變革著色、如同文藝復興是要提高每一聲吶喊的聲調與質感，60年代末世界正處于文化與政治的巨大動蕩中，愛有些陳舊而泛濫，疲軟的靈魂在麻木里淡化著青春，當沒有更多的戰爭需要反對，沒有更多的壓迫和暴力之后，要用什么來點燃困在青春里的火。那是個等待精神領袖的年代，離經叛道算什么，要更癲狂、更煽情，才能在錯亂里找到平衡的捷徑。從嬉皮的廢墟中站立起來的，對世界充滿了迷茫與疑問，頹廢但年輕，憂傷但浪漫的獨特風格。Todd Haynes很好地把握了那種氣氛，一夜間，倫敦街上，無論男女濃妝艷抹，花花綠綠一片。這時的Brian或許正在改變世界。Arthur這個出生于保守家庭的青年，他基本上代表了glitter rock在世俗眼光里的樣子，所以glitter rock只能影響卻難以改變。于是影片在現實與迷離之間擺蕩，一面抵抗、一面妥協。那種青春被壓榨會狠狠壓制住心臟讓她的節拍壓抑低沉。Todd Haynes也許追逐的不只是一段光輝燦爛的搖滾歲月還有豁命的青春與喪失理智的一見鐘情。
  Jonathan Rhys Meyers 顯然是相當危險的生物，從沒有接受過任何專業的表演學校培訓Jonathan有讓人嘆為觀止的拿捏力。雖然成功增重的Jonathan處處洋溢著活力與健康，但Brian一定是他最值得紀念的角色，他美得叫人掉了下巴。直白的說，既想保護更熱衷于撲到。和Dorian Gray與Narcissus一樣美。
  Ewan McGregor，從《猜火車》時他就值得被期待。這個男人長得很癡情，不知是他骨子里那難以泯滅的危險因子還是蘇格蘭的高山牛奶給了他天生的文藝氣質、總之他在每一個角色里都爆發的徹底。
  Velvet Goldmine是一趟漸暖的水，從四肢漫上胸口、它似乎已經讓你喘不過氣來了，卻依舊狠不下心腸從這場溫柔里掙扎出來。就像突然闖進華麗而盛大的教堂，圣歌班誦著莊嚴整齊的音調，頭頂那方斑斕的紫色琉璃窗，折射出炫目磅礴的光芒，空氣里有水晶和羽毛在歌唱，一時間恍如天堂。再后來，猛然被拉回冰冷的鐵框、現實折磨了肌膚的紋理、然而就算痛也不肯醒，那超脫于青春的蜃樓很美。這是一種思緒，她來的太生猛、猝不及防，那些裹在表面的陳年借口頹然崩塌、回頭看，青春已經布滿塵埃、蹣跚的腳步已經蜿蜒了很遠。剎那間讓人明白，不是所有人都能有Dorian Gray的幸運，可以用靈魂交換青春。

大衛鮑伊（簡稱寶爺）是英國華麗搖滾的領軍人物，是英國無可爭議的音樂屆巨星，而《天鵝絨金礦》這部電影是英國華麗搖滾的史詩，達到了無數后來的模仿作品根本無法企及的高度，經常被模仿，從未被超越，是電影史和音樂史都不會繞過去的作品。但是寶爺和電影的撕逼大戰，實際上使雙方都負了傷。

寶爺絕對不是一個小心眼，他為人慷慨，而且是電影的高級票友，自己也拍電影，擔任演員。舉一個跟這片主演之一的伊萬有關的例子。伊萬在拍攝《猜火車》時，因為是小成本電影，導演丹尼（后來成為一代大師），雖然酷愛搖滾樂，想以一些搖滾名曲作為影片的配樂，但是付不起版權費，寶爺因為喜歡丹尼和伊萬的處女作《淺墳》，幾乎以免費的方式提供了自己的作品，而且為劇組介紹了大量的搖滾明星，這些人幾乎都是不計回報地提供了作品，其中就有伊萬在本片中扮演的以朋克之父伊基波普為原型的懷特。《猜火車》首映派對，幾乎英國當時著名的樂隊都參加了。面對著這些夢里的前輩偶像，伊萬等年輕演員激動到快暈了的地步，而且這個配樂陣容，使《猜火車》以小成本，未上映就成為所有人心里的高逼格。伊萬和導演丹尼因此片成為英國多項評獎的獲獎者。而且隨著海外發行，兩人迅速走向國際影壇。這種對后輩的提拔和支持，稀有而珍貴。

所以伊萬是以最虔誠的心進入劇組的，他知道自己是配角，但能演波普本身已經成了他莫大的榮幸，即使他已經紅了。而喬納森的入選，是劇組幾番選拔，百里挑一的結果。他的舞臺動作，據說至少模仿寶爺到八成想像。而這個電影原本是要拍成真傳記，而不是偽傳記。

但是在接洽音樂版權的時候，寶爺聽取影片部分情節后，憤怒至極，據說是因為涉及到了他和波普的同性戀內容，才產生的不滿。問題是在華麗搖滾的當年也就是70年代，他真的宣稱過自己是雙性戀，但影片拍攝的90年代末，這卻成了禁忌內容，變成了有損名譽的事情。影片沒有得到寶爺的歌曲授權，更加不能使用歌星本人的原聲。但是意外得到了波普的歌曲授權，就是伊萬演的懷特的歌，是波普個人創作和擁有完全版權的。他提供給了影片。

導演海因斯依舊堅持拍攝。但不得不調整劇本，將傳記改成了偽傳記。在影片一開始就強調是虛構的，把表述寶爺和前妻感情糾葛的戲份刪除，把表述寶爺和波普同性感情糾葛的內容虛化。有人說電影看不懂，比如男主角為什么非要跟他前妻離婚，他和波普的感情似有似無，在性亂派對上，明明兩個人進了單獨房間，但前妻去查看時，床是空的。影片中真的同性戀行為竟然是貝爾扮演的粉絲和伊萬扮演的波普發生的，貝爾因為愛偶像（影射寶爺的男主），所以染了頭發扮演偶像，并且和偶像的基友發生了關系。可是伊萬的臺詞是“許個愿吧”，而夜空出現了飛碟般的彩花，男主的歌聲相伴響起，你真地不認為這純屬夢境的意淫嗎？這種電影能看懂反而怪了，因為它刪得支離破碎，情節的連貫靠觀眾猜。

電影明明有喬納森這個男主，但首映時，從海報到演員名單，都換成了跟前妻戲份幾乎相同，只是三個采訪對象之一的伊萬（演的是波普），不但戲份少，而且波普并不是華麗搖滾的領軍人物，只是重要的影響因素，他在華麗搖滾中表現了前朋克元素，但直到華麗搖滾結束，他的朋克風格才真正確立起來，所以他根本不可能是男一。但是導演的這個調整最后發揮了應急的作用。

影片在英國上映后，寶爺大罵該片，諸多樂迷也跟著罵，他們的火力點都集中在喬納森，伊萬因為演的是波普，而且因為《猜火車》跟寶爺以往有交情，罵聲較少。你能猜到影片的票房吧，英國主流的紳士能接受這種影片嗎？而熱愛音樂的樂迷，也一樣排斥，所以影片在商業上沒有成功，而且樂迷相當苛刻地給予了超低分評價。喬納森沒有走紅。可是無論是喬納森還是伊萬，他們的表演是超一流的。原本他們只需要模仿搖滾巨星的演出動作，但后來歌也在無可奈何地情況下歸他們唱了。在影片有真歌星、真樂隊演出的情況下，他們不但沒有被秒成渣，反而鎮住了場面，他們以短板還原了巨星的風采。其中伊萬堅持唱現場，因為據他的觀摩，波普的每一場演出，都是激情的迸發，而錄音棚精細處理反而會磨損了鋒芒，搖滾的震撼只在現場。對此導演頗為擔心，但伊萬上臺開唱之后，導演立即明白自己找對人了。而喬納森的模仿是多方位的，有早期鄉村民調的模仿，也有MTV式意象化的模仿，都超象，他們的表現真地只配差評嗎？

《天鵝絨金礦》在當年的英國（1998）沒有獲得成功，但卻在英國之外，大獲成功，成為戛納電影節最佳影片和導演的大熱門，而且獲得了特別貢獻獎。在美國也廣受好評。甚至在亞洲也受到了充分禮遇，它的修復版的推出，是臺北電影節的重要一環，發生在2016年。就算豆瓣評分，都比英國高太多。

影片對只產生于英國，也只屬于英國的華麗搖滾的總結是恰當的，沒有瘋狂吹捧，展現了它形式大于內容的一面，它傳承了英國的王爾德唯美主義，原本就宣稱藝術并不來源于生活，而是高于生活，引領生活。它的影響延伸到了搖滾之外，提出了“中性化”概念，并且迅速風靡當時英國的青少年，女孩短發，而男孩涂指甲油，各種色彩絢麗，奇裝異服。而在它興起當年，美國在1969年，因為青少年打扮太艷麗，像同性戀，而發生了警察和美麗少年大打出手的“石墻事件”，結果一兩年后，英國華麗搖滾興起期間，這種裝束滿大街都是。現在男人穿花襯衫，也是個人自由，而且挺時尚的。其領軍人物寶爺在當時宣稱自己是雙性戀，并且跟波普等人在公眾場合接吻。看不慣那是你的事情，搖滾明星根本就不是為了討好大眾存在的。華麗搖滾當然也有叛逆因素，但它主要強調美的共通性。為什么同性戀群體中廣泛傳播此片？因為該片不以同性戀為恥，是早期爭取他們權益的藝術化呼吁。

也正因為形式大于內容，它的領軍人物的分化，也是必然的。其中波普走向了朋克，大衛不斷變化形式，適應市場，成為音樂風格的變色龍。這是現實，而不是導演想故意貶低寶爺，寶爺早期是搖滾巨星，后期是流行歌曲大腕，適應市場那也是極大的天賦。

搖滾的出現跟思想解放或者性解放基本同時，我國的搖滾出現在提倡思想解放，提倡創新思維的80年代，但大家已經回不去那個年代了。不是每代人的青春都有搖滾。
墮落不是搖滾的核心價值，自由才是。

令人扼腕的是，寶爺一方面大批最能反映華麗搖滾精神的《天鵝絨金礦》，一方面在西裝革履的唱美國夢，上演百老匯歌舞表演后，在影片推出前后，他推出了頗有懷舊風格的唱片，也許青春期間的一些事不可說，但他還是懷念青春的。

濃重的眼影，閃爍的亮片。
魅惑的紫和迷醉的綠，寂寞的高跟鞋。
華麗搖滾。
倫敦，紐約，六零年代。

好多年前在《非音樂》上看到這部電影的介紹。以搖滾、《猜火車》的男主角和同性戀為賣點。提到了一顆祖母綠寶石。印象很模糊。好像還有一個譯名《紫醉金迷》。那個時候的自己就像這部電影一樣，很混亂。沒有希望，沉迷于搖滾、電影和濫交。不知道那個時候的自己如果看了這部電影會不會還能像現在一樣，心平氣和的坐下來，在電腦前面敲下自己的感想。兩年了，正常的生活讓我變得沉靜和快樂。時間是一種奇怪的東西，它總能留下些什么，卻將自己隱身于一些氣味，聲響，畫面，些些碎片中。只要這些東西被多年后的我們再次偶遇，那段歲月，就會像鬼魅一樣，冒出來，悄無聲息，卻能夠蠱惑人心。

關于愛情，與性別無關

Brian & Curt 我相信當Brian第一眼看到Curt 的時候就愛上了他。就是那種恣意迸發的力量，Curt Wild 征服了他。Brian的陰郁和自憐，細膩的悲情也許是一種性感。在舞臺上，兩個人的充滿儀式感的交媾，Brian跪著舔食Curt的吉他。
純白的床單，兩個人在陽光中依偎。親吻。微風。我相信這是一種惺惺相惜的美妙體驗。審美。對的，就是審美。這與性別無關，我不敢確定那就是愛情，但是我理解那種不顧一切的情緒，激烈而無望，他們沉溺其中，無法自拔。互相剝奪對方來獲得自己的安全感。
所以Brian只能將自己包裹在絕望的黑色外套中，壓低帽沿，悄然離去。消失在灰蒙蒙模糊的人群中。任Curt躺在舞臺上，無望呻吟。那個時候，他們各自在想些什么呢？是愛情存在的那一瞬間嗎？還是即將分離時無望的等待？

Brian & Mandy “I lost my girlhood, true. But it was for you.”Mandy在最后一次與Brian談話的時候哽咽著對他說。我喜歡這句臺詞，但是不喜歡這個演員在這里的表演，因為哭泣的有些做作。太喜歡這句臺詞，因為每個女孩都會為了一個男孩變成了女人。我不是說身體上的，而是心中的那份滄海桑田。我們愛一個男人，全心全意的，也許只有一次，但是卻等不到那個男人，從純潔鮮美等到了腐敗凋零，從黑夜等到黎明，斗轉星移，風過處，皮膚的斑駁在眼角處蔓延。我們終于老了，我們不再是那個天真的小女孩，像期待一支棒棒糖一樣期待一份完美無暇的愛情。我們不再是天使，也不再是精靈，墮入凡間，只為這樣一個絕色的男人。他陰柔而自憐，將生活當作一臺戲，他只是希望自己是最美的。僅此而已。

關于搖滾，與生活無關

陰暗的酒吧，火花四射的露天舞臺。我也曾經熱愛過這樣的地方。與眾人一起仰望閃耀的舞臺。搖滾，搖滾者。有一種天生的魅惑和性感。是啊，反抗，否定，抵制。都是那么具有蠱惑力的詞語，我們拒絕一切體制內的東西。
那么經紀人是什么東西？搖滾自從誕生的那一天起，就與金錢的銅臭味脫不了干系。那么多的毒品，他殺與自殺。搖滾者借反抗一切而受到一切的肯定，虛假的奢華和權力。就像白色的海洛因一樣，輕易就隨風飄散。
Curt最后對作者說：a real artist creats beautiful things and...puts nothing of his own life into them. …We set out to change the world and ended up...just changing ourselves. 是啊，Brian太沉緬于奢華的美麗，當槍聲響起的時候，沉重的肉身緩慢的倒地，龐大的白色羽毛高高揚起，美得如此無能為力。同時他又是怯懦的，人工制造的暗殺使得形式的凄美變成實質的笑劇。
也許搖滾只存于舞臺那肆意怒放的一瞬間。呵呵，想起另一句臺詞，我本來想好好玩兒搖滾的，誰知道到頭來被搖滾給玩兒了。生活是庸庸碌碌的，充斥著吃喝拉撒等種種平凡的不美的東西。然而這就是生活，與搖滾無關。

讓我們再次緬懷那個年代1969

69是一個魅惑的姿勢，也是一個魅惑的年代。反戰，喧囂之后的沉寂。沒有人相信烏托邦。沒有人再寄希望于革命。傳統已經轟然倒塌。所有人都浸淫在一種不著邊際的迷幻感中，揮霍著年輕與奢華。這是一個可能性的時代。
濃重的眼影，閃爍的亮片。
魅惑的紫和迷醉的綠，寂寞的高跟鞋。
華麗搖滾。
倫敦，紐約，六零年代。
我們在耽美中不知日出日落，生活幾何。

電影落幕了，但是生活永不落幕。一個時代過去了，我們依然在路上。奢靡的紫色與綠色，去年的秋冬又一次上演。春天，褪殼了，露出粉嫩的顏色，baby blue & baby pink ，我們在色彩中重生。仰望天堂，紫醉金迷。

你的唇上有血有蜜

十多歲的時候，我文藝青年的姿態大概是比現在要充足一些的，比現在更容易被一些詞所蠱惑，比如頹靡，比如盛大，比如毀滅，那個時候我買市面上所有能買到的電影雜志，我尋找一切曾在書上被提及的電影。那個時候，我看了《紫醉金迷》，因為它又搖滾又頹靡，所有的關鍵詞都被我向往。至今，離第一次看《紫醉金迷》七八年過去了，其間我很多次和別人說起這部片子，然而都是瑣碎的花邊，我記得的只有男主角發型的變化，以及伊萬·麥克雷戈脫下皮褲，在臺上蹦蹦跳跳。

成長是一件多么美好的事情，重新看過這部片子之后，我由衷的感謝這么多年過去以后，自己的理解能力畢竟是大有長進了。十多歲的時候我陶醉于這樣一種論調：不需要理解，只需要投入，二十多歲的我終于有能力去感受理解的樂趣。然而獲得理解樂趣的代價是，這些年，我已經從“那些人”，變成了“這些人”，而電影本身的情感，大多也是從兩種人相互眺望間的掙扎而來。

片中串起主線的報社記者，年輕時，在電視里看到男主人公布賴恩，激動地對父母說：“那就是我！”鏡頭所訴說的孤獨讓觀眾何其心酸——如果你是為這部電影而生的觀眾的話，電影里的那個記者那么平凡那么不好看，蒼白的臉上有多么鄉氣的紅，還跳躍著雀斑點點，他在唱片店里挑選布賴恩唱片的時候，那種不自信讓他看上去近乎猥褻，而后他看見布賴恩，明艷不可方物的布賴恩，布賴恩接受電視采訪，挑釁的對記者說：“因為搖滾樂就是婊子”，他激動得渾身顫抖，對不明所以的父母說：“那是我！我就是那么想的。”布賴恩的艷光恩澤四方，他走出門口脫下外套，加入那些迅速被glam rock席卷的年輕人中間，何其驕傲的抬著頭，像對所有人說：“那是我”。

如果你在年輕的時候，也曾這樣為求之不得的認同感而痛苦過，如果也曾為某句輕佻口號心動過，大概可以理解那種幸福感，而彼時的幸福，猶如在三月暖暖早春陽光下踏冰而行，只知道陽光和煦與腳步輕快，不知道自己腳底，有隨時可能發生的吞沒。

而被人們供奉在眼睫之上的布賴恩，他的孤獨呢？在戶外音樂會上，穿紫色長裙，金色長發掩去大半張臉，唱的歌又孤獨又自負:“簡單的發著光/蠟燭燃燒著/它為我燒去了很多/我全身無力……有人叫我塞巴斯蒂安/有人叫我塞巴斯蒂安/設計出押運/給我節拍/平息我，你是我的/我們都知道/你那波斯人的眼睛閃爍著/你的嘴唇像紅寶石發著藍光”。臺下的噓聲四起。

而后這把長發被剪斷，而后短發，而后短發染藍，而后脫下那件紫色長裙，而后窄窄西裝，而后高腰褲與紅絲絨，他是繼披頭士之后最紅的搖滾明星，這個世界都為他改變，但布賴恩從來沒有歡天喜地驕傲的走在街上，他是偶像，被仰望的那個，無數人在他身上尋找投射，而他自己呢？

理解那個年代，理解glam rock，通常會給我一種冷熱交織的感覺——你的唇上有血有蜜，穿三千萬根羽毛織成的大衣上街且毫無預兆的哭泣，脆弱和乖戾的天才們。

那個時代，以及那個時代的布賴恩是“那些人”，倫敦一夜之間，擁進了那么多顏色，愛與和平的嬉皮士并沒有打救世界，70年代有一種自暴自棄的快樂，暗含毀滅的決心。再之后，導演給布賴恩安排的命運是，在演唱會上假死，以另外一個流星巨星的身份繼續活在人們視野里，喜氣洋洋的歌頌總統。我曾經因為大衛·鮑伊外號“搖滾變色龍”而拒絕認識他，那個時候，我以為，離開就是背叛，一個人必須永遠以一種顏色存在于世——就像《紫醉金迷》所宣揚的那樣。其實呢？其實今天喜歡紅明天喜歡藍真的會導致人生觀的破滅么？

我十來歲的時候，也曾熟讀the who的名句：“我愿意在我變老前死去。”我的qq上還有那個時候和我一起熟讀這句話的人們，有時候，我們小心翼翼相互打探彼此的現在，好奇慘綠少年們是否最后殊途同歸。我也曾無數次想，如果讓17歲的自己前來赴如今22歲自己的約，大概是趾高氣揚的吧——那個時候，我滿心希望在變成現在這樣的自己之前死去，那么對于當時的我來說，現在存在的人，其實是另外一個人吧。主流一些，狡猾一些，曾經以為的貶義詞慢慢在成長里凸現了褒義意味，17歲的那個我不肯相認，那么22歲的我至少知道這種變化的意義——《紫醉金迷》的導演呢？為布賴恩加上如此刻意結局的導演呢，那個時候，他是“這些人”，還是“那些人”？